WHENEVER I´M ALONE WITH YOU
Weltpremiere
Frankreich 23 | Regie Guillaume Campanacci, Vesper Egon | mit Guillaume Campanacci, Vesper Egon
Gleich zu Beginn dieses französischen Independent-Films werden wir gewarnt, dass es sich nicht um eine romantische Komödie handelt - was sich als irreführend erweisen soll, denn der Film ist hoffnungslos romantisch und zugleich urkomisch. Guillaume hat gerade versucht, sich umzubringen und zieht nun betrunken und desinteressiert durch die Gegend. Vedrana, steckt in einer so langweiligen Beziehung fest, dass man sie für tot erklären sollte. Aber als die beiden sich auf einer Party treffen, zu der keiner von ihnen gehen wollte, fangen die Funken an zu sprühen.
Die beiden Hauptdarsteller und Co-Regisseure Guillaume Campanacci und Vesper Egon nutzen mit unbändiger Wildheit jede Sekunde ihres filmischen Ausflugs durch die schönsten Momente der Nouvelle Vague, um Erwartungen zu trotzen. Szenen können von einem Moment zum nächsten ihre Farbe wechseln, Schnitte gehorchen nur der Assoziation und fast nie den Regeln. Die Erzählung wird getreu Godards berühmten Ausspruch »Jede Geschichte hat einen Anfang, eine Mitte und ein Ende, aber nicht unbedingt in dieser Reihenfolge« in schiere Emotionen und Momente zerlegt.
Wie sich all das zu einer Romantic Comedy zusammenfügt, die gar keine sein will, ist ein ungestümes Fest für alle Sinne. Poesie und Rebellion, mit leichter Hand auf die Leinwand gezaubert.
Right at the start of this French independent film, we are warned that this is not a romantic comedy - which should prove misleading as the film is hopelessly romantic and hilarious at the same time. Guillaume has just tried to kill himself and is now roaming around drunk and disinterested. Vedrana is stuck in a relationship so boring she should be pronounced dead. But when the two meet at a party neither of them wants to go to, sparks begin to fly.
The two main actors and co-directors, Guillaume Campanacci and Vesper Egon use every second of their cinematic excursion through the most beautiful moments of the Nouvelle Vague with irrepressible wildness to defy expectations. Scenes can change color from moment to moment, cuts obey only association and almost never follow the rules, and the narrative is faithful to Godard's famous dictum that »Every story has a beginning, a middle, and an end, but not necessarily in that order«. How all these fragments come together to form a romantic comedy that doesn't want to be one at all is an impetuous feast for all the senses. Fifty years after Godard broke all the rules of storytelling, it feels so refreshing to be reminded of the poetic beauty of the struggle between the eye and the language.
BEAUTIFUL FRIEND
Weltpremiere
USA 23 | Regie Truman Kewley | mit Adam Jones, Alexandrea Meyer
William Wyler hat 1965 mit »The Collector« einen Film gemacht, der sich auf eine Hauptfigur eingelassen hat, die dem Zuschauer keinerlei Identifikationspotential bot. Terence Stamp spielte diesen »Collector« so intensiv, dass der Film drei Oscarnominierungen einheimste, obwohl er sich gegen alle Regeln des Hollywoodkinos stellte. Mehr als 50 Jahre später hat Truman Kewley aus dieser Konstellation einen zutiefst beunruhigenden Schocker gedreht, der seine brütende Bedrohung aus einer an den jungen Gaspar Noe gemahnenden Inszenierung bezieht. Daniel ist ein Incel, der aus seinem unfreiwilligen Zölibat einen allgemeinen Hass auf Frauen kultiviert. Nachts fährt er mit seinem Van durch die Straßen, getrieben von der Sehnsucht nach einer wahren Lebensgefährtin, zerrissen von seiner Verachtung für all die, die sein wahres, gutes Wesen nicht erkennen wollen. Er ist eine tickende Zeitbombe.
Found Footage Style, gepaart mit einem Voice-Over-Monolog, dessen selbstgerechte und kühle Haltung dem Zuschauer kalt den Rücken hinunterläuft, verbinden sich zu einem aufsehenerregenden, mutigen Debüt.
»With a visual style that brings to mind a young Gaspar Noé, a disturbing, first-person-look at a violent kidnapper that updates William Wyler’s The Collector for the incel age«. – The Hollywood Reporter
In 1965, William Wyler directed »The Collector«, a film that delved into a main character devoid of any identification potential for the audience. Terence Stamp portrayed the man who abducts a woman in pursuit of love. The film garnered three Oscar nominations, despite defying all conventions of Hollywood cinema. Over 50 years later, Truman Kewley has crafted a deeply unsettling shocker based on a similar scenario, drawing its brooding menace in a manner reminiscent of a young Gaspar Noé.
Daniel is an Incel - an involuntary celibate - who cultivates a general hatred of women. At night he cruises through the streets in his van, driven by the longing for a true-life companion, torn by his contempt for all those who do not want to recognize his true, good nature. He's a ticking time bomb. Utilizing Found Footage style, combined with a voice-over monologue whose self-righteous and cool demeanor sends chills down the viewer's spine, it culminates in a debut that is nothing short of sensational and daringly audacious.
BEHIND THE HAYSTACKS
Deutschlandpremiere
Griechenland 22 | Regie Asimina Proedrou | mit Stathis Stamoulakatos, Lena Ouzounidou, Evgenia Lavda
Am Anfang steht das Ende. Unweit einer ausgelassenen Familienfeier treiben zwei Leichen im Ufergras des Dojransees zwischen Griechenland und Nordmazedonien. Hier lebt Stergios, der als Bauer und Fischer mit seiner Familie nur ein karges Auskommen hat und nun aufgrund von Steuerschulden in ernste Geldnot gerät. Als er daraufhin bei der lokalen Mafia anheuert, um mit seinem Boot nachts illegale Flüchtlinge über die EU-Grenze zu schleusen, bringt ihn das direkt auf Kollisionskurs mit seinem Freund und Geschäftspartner Christos und dem Rest der Familie: Seine religiöse Ehefrau Maria hilft im Flüchtlingscamp aus, ist jedoch mehr um ihren eigenen Ruf besorgt, während Stergios‘ Tochter Anastasia versucht, im Nachtclub aus dem engen Korsett ihres restriktiven Umfelds auszubrechen. Heimlich unterhält sie eine Beziehung mit Christos, doch als dieser nach einem Zwischenfall die Machenschaften ihres Vaters aufzudecken droht, eskaliert die Situation auf unvorstellbar tragische Weise.
Mit ihrem vielfach preisgekrönten Debüt seziert Regisseurin Asimina Proedru aus drei Blickwinkeln, die nicht von ungefähr an Kurosawas »Rashomon« erinnern, die Bigotterie und den Opportunismus einer Gesellschaft, die ihre Probleme ignoriert, statt sie zu lösen.
»I wanted to make a film about how society pressures everyday people and their social relations and forces them into crushing decisions and corruption, but without absolving them of responsibility«. (Asimina Proedrou)
It all starts at the end. Not far from a boisterous family celebration, two corpses float in the shore grass of Lake Dojran between Greece and northern Macedonia. This is where Stergios lives, a farmer and fisherman who makes a meager living with his family and now finds himself in serious financial straits due to tax debts. When he gets involved with the local mafia to smuggle illegal refugees across the EU border at night, it puts him on a collision course with his friend and business partner Christos and the rest of the family. His religious wife Maria helps out at the refugee camp but is more concerned about her own reputation, while Stergios' daughter Anastasia seeks escape at the nightclub to break out of the tight corset of her restrictive environment. She secretly maintains a relationship with Christos, but when he threatens to expose her father's machinations after an incident, the situation escalates in an unimaginably tragic way.
With her multiple award-winning debut, told from three angles not coincidentally recalling Kurosawa's »Rashomon«, director Asimina Proedru dissects the bigotry and opportunism of a society that ignores its problems instead of solving them.
FRAMES OF ALICIA
Weltpremiere
Dänemark 23 | Regie Adam Benjamin Mikkelsen | mit Tuva Alfredsson, Ali Bayate, Balthazar Rademacher
Die junge Sängerin Alicia ist gerade in Kopenhagen angekommen, um in der dortigen Musikindustrie Fuß zu fassen – aber es scheint ihr um mehr zu gehen, als schnellen Ruhm und Erfolg. Da ist diese gewisse Einsamkeit, die sie mit sich trägt, während sie die fremde Stadt durchstreift. Anfangs hat sie noch nicht einmal eine Bleibe, so dass sie Kontakte nur zufällig machen kann, was sie offen für die Gefahren macht, die in jeder Großstadt lauern. Doch während ihre Ziele unklar definiert sind, weist ihre tiefsitzende Traurigkeit auf etwas hin, dem sie entkommen möchte – sie sitz fest im Limbo zwischen Vergangenheit und Zukunft, den man gemeinhin auch als Gegenwart bezeichnet.
Unaufdringlich von Adam Benjamin Mikkelsen inszeniert, entpuppt sich »Frames of Alicia« als ein unglaublich poetischer und manchmal unerträglich harscher Film über eine junge Frau, deren Sensibilität und Hilflosigkeit in krassem Gegensatz zu dem Willen steht, allein ihres Glückes Schmied zu sein. Von einer zweiköpfigen Crew gedreht (der Regisseur machte auch den Ton) stellt der Film eine faszinierende Kollage aus Momenten da, in denen jeder Blick und Geste der unvergesslichen Hauptdarstellerin Tuva Alfredsson eine eigene Geschichte erzählt.
Alicia has just arrived in Copenhagen from Sweden, ostensibly to make it big in the vibrant music industry of Denmark’s capital, but there seems more to her than just dreams of fame and fortune – a loneliness she tries to overcome as she tries to find her grounding in this foreign city. She does not know anybody and did not arrange a place to stay before her arrival, which leaves her to cold-call musicians and vulnerable to unsavoury elements. But while her goals seem somewhat unclear and ill-defined, her deep-rooted sadness hints at something she yearns to escape – leaving her stuck in the limbo between past and future more widely known as the present.
Directed unobtrusively by Adam Benjamin Mikkelsen, »Frames of Alicia« is a deeply poetic and sometimes unsettlingly harsh film about a young woman whose sensitive nature and helplessness are sharply at odds with her will to make it on her own. Filmed guerilla-style with a crew of two (with the director also handling the sound), it is a fascinating collection of moments in time, with the marvelous Tuva Alfredsson as the titular character whose every look or gesture tells a story of its own.
FROM DAWN TILL NOON ON THE SEA
Weltpremiere
Japan 23, Regie Takayuki Hayashi | mit Kaito Yoshima, Hanon, Yu Uemura
Ein Ereignis überschattet eine japanische Kleinstadt. Ein Schulmädchen wurde gekidnapped und 49 Tage gefangen gehalten. Über den Anfangscredits hören wir den Nachrichtensprecher und blicken durch einen Drahtzaun auf die ruhige Stadt. Mai wird via Radionachrichten eine posttraumatische Belastungsstörung attestiert, obwohl sie anscheinend zur Überraschung der Behörden nicht missbraucht wurde.
Als sie zur Schule zurückkehrt, wird bald deutlich, nicht die 49 Tage, die sich in behutsam eingewebten Rückblenden mehr und mehr erschließen, waren das Gefängnis. Der Weg zurück in die Schule wird für Mai zum wahren Martyrium. Nur ein Klassenkamerad wird mit ihr reden: Ujie, ebenfalls ein Außenseiter, ein isolierter Junge, der regelmäßig gemobbt wird und als Unruhestifter gilt. Mai und Ujie versuchen aneinander Verständnis zu finden.
Takayuki Hayashi hat einen elegischen Coming of Age Film geschaffen, der uns auf eine philosophische Erkenntnisreise um Liebe, Vergebung und Empathie in einer in Regeln erstarten Welt nimmt. Ein ganz großes Filmerlebnis, dessen ruhiger Fluss zum Finale hin rauschhaft schön und erhaben ist. Hana ist im japanischen No-Theater die höchste Stufe an Perfektion, die ein No-Schauspieler nur nach vielen Jahren erreichen kann. Hana erreicht auch „From Dawn till Noon at the Sea“ in der unendlich schönen Szene at Noon at the Sea.
»You have the obligation to be happy. To fulfil it you must go out there and fight. With the world, the society, and other people. Yourself who you despise. Everything and anything around you.« – The unnamed Kidnapper
One event overshadows a small Japanese town. A schoolgirl was kidnapped and held captive for 49 days. Over the opening credits we hear the newscaster and look through a wire fence at the quiet town. Post-Traumatic Stress Disorder is attested via radio news on Mai, although to the surprise of the authorities, it appears that she was not abused.
When she returns to school, it soon becomes clear that the 49 days that gradually unfold in carefully woven flashbacks, were not the prison. The way back to school becomes a real ordeal for Mai. Only one classmate will talk to her: Ujie, also an outsider, an isolated boy who is regularly bullied and considered a troublemaker. Mai and Ujie try to find understanding in each other.
Takayuki Hayashi has created an elegiac coming of age film that takes us on a philosophical journey of love, forgiveness, and empathy in a world frozen in rules. An astounding experience, whose calm flow towards the finale is intoxicatingly beautiful and sublime. In Japanese No theater, Hana is the highest level of perfection that a No actor can only achieve after many years. "From Dawn till Noon at the Sea" achieves it in the infinitely beautiful scene at Noon at the Sea.
HEAVIER IS THE SKY
Internationale Premiere
Brasilien 23 | Regie Petrus Cariry | mit Matheus Nachtergaele, Ana Luiza Rios, Magno Carvalho
Teresa und Antonio treffen sich an ihrem Ziel – einer brasilianischen Stadt, die inzwischen auf dem Grund eines Stausees liegt. Da Teresa gerade ein verlassenes Baby gefunden hat, formen sie eine temporäre Familie. Aber die Umgebung ist erbarmungslos, die Inflation hoch und die einzigen Jobs, die beide finden können, entwürdigend, so dass er letzten Endes seine Hand ausstrecken und sie ihre Beine spreizen muss. Bis die Momente der Frustration und Verzweiflung selbst ihre kleinen, gestohlenen Glücksmomente überschatten.
Director Petrus Cariry hat mit »Heavier is the Sky« das Genre des Road Movies auf den Kopf gestellt, in dem er seine zwei Charaktere gleich zu Anfang dort ankommen lässt, wo sie hinwollten – um den Film dann in eine poetische, philosophische und zunehmend brutalere Meditation über Liebe, Familie und das Leben zu verwandeln. Wunderschön fotografiert und von den Hauptdarstellern Matheus Nachtergaele and Ana Luiza Rios einfühlsam gespielt, lebt der Film von einer Stimmung von Gefahr und Verzweiflung, die seine wenigen zarten Momente nur noch kostbarer machen. Ein absolutes Meisterwerk, dass seine Stärke daraus bezieht, dass uns die Handlung brutal vorenthält, was wir gern sehen würden.
After years on the road, Teresa and Antonio meet at their destination – a town in Brazil that is now submerged at the bottom of a dam. Teresa has just found an abandoned child and Antonio does want to protect them, so they decide to stick around and form a little family. But their surroundings are hostile, inflation is rampant and the only jobs to be had are two common forms of begging: he holds out his palm, she opens her legs. Until desperation and anger completely take over, putting an end to their small, stolen moments of happiness, which were never meant to be more than temporary, anyway.
Director Petrus Cariry’s »Heavier is the Sky« turns the Road Movie genre on its head by arriving at its destination at the beginning, then turning it into a poetic, philosophical, and exceedingly brutal meditation on love, family and what it means to be alive. Beautifully shot and expertly acted by Matheus Nachtergaele and Ana Luiza Rios, the film is constantly infused with a sense of danger and despair, making its few tender moments even more precious. An absolute masterpiece made even more powerful by withholding what we so desperately want to happen.
IM TOTEN WINKEL
Deutschland 23 | Regie Ayşe Polat | mit Katja Bürkle, Ahmet Varlı, Çağla Yurga
Im Norden der Türkei, recherchiert ein deutsches Dokumentarteam das Verschwinden des Sohnes der kurdischen Mutter Hatice. Konfrontiert mit einer Kultur der Unterdrückung und dem Kampf gegen das Verblassen der Erinnerungen beobachten sie die Rituale kurdischen Lebens, dessen Existenz eine Geschichte von Gewalt und Widerstand ist. Doch als rätselhafte Ereignisse ihre Schatten werfen, verschwimmen die Grenzen der Wirklichkeit und enthüllen einen unheilvollen Tanz aus Paranoia, Verschwörung und geisterhaften Kräften, in dessen Mitte die 7-jährige Melek, Tochter von Zalek, Mitglied einer unheilvollen türkischen Untergrundbewegung, steht.
Über drei Kapitel entfaltet, verwebt »Im Toten Winkel« die Fäden von Realität und Ätherischem. Sichtbar wird ein komplexes Geflecht generationaler Traumata und eine geisterhafte Präsenz, die jede Bewegung der Charaktere verfolgt und festhält. Dabei transformiert der Film die Erzählung von politischem Intrigenspiel in eine faszinierende Meditation über die bleibenden Auswirkungen von Gewalt. Mit meisterhaftem Geschick erweckt Regisseurin Ayşe Polat schonungslose Emotionen, die lange nach dem Abspann nachhallen. Während der Film das spukhafte Erbe unterdrückter Geschichten erkundet, setzt Polat ein kraftvolles und bewegendes Statement, indem sie das Schicksal der kurdischen Gemeinschaft beleuchtet und ihren Kampf um Erinnerung und Gerechtigkeit unter der türkischen Regierung offenlegt.
Nestled in the remote corners of Turkey, a German documentary team finds themselves captivated by Hatice's tragic saga – her son snatched away a quarter-century ago. Waging a battle against memory's erosion, they confront the rituals of a life shaped by the hidden struggles of the Kurds, their existence a tale of violence and tenacity tucked away from view. Yet, enigmatic events cast their shadows, and the boundaries between stories blur, revealing a sinister dance of paranoia, haunting forces, and intergenerational pain. 7-year-old Melek, daughter of Zalek, who works for an ominous Turkish group, is put in the midst of it all, carrying the weight and unique insight.
Unfolding over three chapters, »In the Blind Spot« intertwines the threads of reality and the ethereal to convey the intricate tapestry of generational trauma and the ghostly presence that shadows the characters' every move, transmuting the narrative from political intrigue into a mesmerizing meditation on violence’s enduring impact. With a masterful touch, director Ayşe Polat evokes hard-hitting emotions that linger long after the credits roll. As the film delves into the haunting legacy of suppressed history, Polat makes a powerful and poignant statement, shedding light on the plight of the Kurdish community and their struggle for remembrance and justice under the Turkish government.
PASSENGER C
Internationale Premiere
USA 23 | Regie Cassian Elwes | mit Jon Jacobs, Eric Bruneau, Mary Bonner-Baker, Cheri Moon
Ein Passagier bringt mit zunehmend aggressiven Verhalten einem Nachtflug nach LA in eine bedrohliche Situation und das Leben von Hollywood Agent und Produzent Cassian aus dem Tritt. Cassian erklärt sich bereit, den Platz neben Marco, einem Ex-Marine mit PTSD, einzunehmen, um ihn zu beruhigen. Die beiden Männer kommen sich näher, Cassian definiert seinen inneren Kompass neu. Er beginnt für Dinge zu kämpfen, die bisher keinen Platz in seinem dichtgedrängten Terminkalender hatten. Für ein Projekt namens »Dallas Buyers Club«, an das niemand in Hollywood glaubt und für Marco, dem eine 20jährige Haftstrafe droht.
Was wie eine »Inspirational-Story« aus Hollywood klingt, ist die wahre Geschichte und das Regiedebüt von Cassian Elwes, der den Mut hatte, seinen Film außerhalb des angestammten Terrains in Hollywood zu inszenieren. Nur so kann er zeigen wozu Kino imstande ist, solange es Menschen gibt, die sich nicht auf Formeln verlassen, sondern Instinkt und Empathie Raum geben. Ein intensives Drama und gleichermaßen ein aufregender und sehr persönlicher Blick hinter die Kulissen der Traumfabrik. Als Co-Produzentin beweist Veronica Ferres sehr viel Einfühlungsvermögen für starkes Independentkino.
An unruly passenger's increasingly aggressive behavior throws an overnight flight to LA into a threatening situation and the life of Hollywood agent and producer Cassian out of its path. Cassian agrees to take the seat next to Marco, who turns out as an ex-Marine with PTSD, to calm him down. The two men grow closer, and Cassian redefines his inner compass. He begins to fight for things that previously had no place in his busy schedule, for a project called »Dallas Buyers Club« that nobody in Hollywood believes in, and for Marco, who faces a 20-year prison sentence if nobody stands up in his defense.
What sounds like a Hollywood »inspirational story« is the true story and directorial debut of Cassian Elwes, who, ten years after this dramatic event, had the courage to direct his film outside of his very own Hollywood terrain. And it is only this angle that creates a genuine and unfiltered view of his own life within the industry and reminds us what cinema is capable of, as long as there are people who do not rely on formulas, but give space to instinct and empathy. A rousing, intense drama and a very personal look behind the scenes of the dream factory. As a co-producer, Veronica Ferres demonstrates a great deal of empathy for strong independent cinema.
THE WAIT
Weltpremiere
Spanien 23 | Regie F. Javier Gutiérrez | mit Víctor Clavijo, Ruth Díaz, Moisés Ruiz, Manuel Morón, Pedro Casablanc
Eladio, ein einfacher, ehrlicher Mann, nimmt einen Job als Aufseher in einem abgelegenen, andalusischen Jagdrevier an. Die Arbeit ist hart und die Umgebung so karg und feindselig, dass nichts menschengepflanztes dort gedeiht, aber es ist ein Ort an dem er seine Familie ernähren kann. Als er auf einen Bestechungsversuch eingeht, folgt auf die Versuchung eine unbarmherzige Tragödie, die Eladio in den Wahnsinn treibt. Mysteriöse Objekte tauchen auf, die er im verdorrten Boden findet und tief verstörende Alpträume erinnern ihn an seine Schuld. Aber seine unerträglichen Qualen haben gerade erst begonnen und das letzte Kapitel seiner eigenen Tragödie wurde noch nicht verlesen.
Regisseur F. Javier Gutiérrez (»The Ring«, »Before the Fall«) legt mit »The Wait« einen zerebralen, zutiefst poetischen Alptraum von einem Film vor, der sich unseren tiefsten Ängsten vom ersten Moment an bemächtigt, um uns dann gnadenlos mit ihnen zu konfrontieren. Triviale Gegenstände wie hölzerne Wäscheklammern am Boden oder ein in Kaffee getauchter Zuckerwürfel gewinnen als Teile eines düsteren Puzzles an Bedeutung, dessen Fertigstellung uns bis ins Mark erschrecken wird.
Eladio, a simple, honest man, is offered the job of a gamekeeper on a remote Andalusian hunting estate. The work there is hard, the surroundings vast and uninviting, but for him and his wife it is a place to raise their son, even as the marriage withers like the tomatoes in the garden. But temptation finds Eladio in the form of a bribe, and when he succumbs to it, an unbearable tragedy follows on the spot. Eladio descents into madness, fueled by mysterious objects he finds on the property and increasingly surreal nightmares that remind him of his guilt. But his torment is just beginning, and the cruel, pre-ordained playbook of his life is far from its last, inevitable chapter.
With »The Wait«, director F. Javier Gutiérrez (»The Ring«, »Before the Fall«) has created a cerebral, darkly poetic and thoroughly terrifying nightmare of a film that captures our darkest fears from the first moment on and then refuses to let go. Little things as trivial as wooden clothespins on the ground, a sugar cube being soaked in coffee take on an important meaning as pieces of a puzzle whose completion will shock us to the core.
WILLIE AND ME
Weltpremiere
USA 23 | Regie Eva Hassmann | mit Eva Hassmann, Willie Nelson, Peter Bogdanovich, Blaine Grey
Greta ist die ideale deutsche Hausfrau – hübsch, präsentabel und höflich. Eine Gefangene in ihrer lieblosen Ehe, sehnt sich nach mehr Abenteuer und Gefühlen – etwas, was sie als Kind in der Musik von Willie Nelson fand. Als sie zufällig einen Song der Country-Legende hört, steht ihre Entscheidung fest: sie möchte sein letztes Konzert im fernen Las Vegas besuchen. Ihr Ehemann gibt sich nicht sehr hilfreich, was er schnell bereut, da sie seinen Porsche unter Preis verkauft und versehentlich noch die Küche in Brand setzt. Aber egal: sie ist frei und auf der Reise in die USA, deren Logistik sie aber mit demselben Geschick behandelt, das sie schon beim Autoverkauf und Brandschutz an den Tag legte, so dass sie es nun mit Betrügern, Klapperschlangen und Elvis-Darstellern zu tun hat.
Eva Hassmann legt mit »Willie and Me« ein formidables Regiedebüt vor und nimmt uns in ein Amerika mit, das auf den zweiten Blick eher ein »Americana« ist – nicht das wirkliche Land, sondern das, was wir uns von ihm erträumen. Gekonnt und urkomisch gemacht, wird daraus ein Trip, der so leidenschaftlich wie phantasievoll ist – garniert mit Performances von Legenden wie dem kürzlich verstorbenen Peter Bogdanovich und dem unsterblichen Willie Nelson.
Greta is a typical German housewife – pretty, proper and polite. But she feels stuck in her loveless marriage and has an unfulfilled yearning for something more exciting, soulful and adventurous. As a child, she found all of that in the music of country legend Willie Nelson and when she hears one of his songs on the radio, she decides to make a run for it and visit his last concert in faraway Las Vegas. She sells her husband’s Porsche for a pittance and inadvertently burns the kitchen down. But never mind: Greta is free and on her big trip to the US, which she handles with the same aplomb she brought to car prizes and fire safety, turning her simple trip into a bigger adventure than she bargained for – complete with con artists, rattlesnakes, and Elvis impersonators.
Director and star Eva Hassmann has made »Wille and Me« into a formidable debut as a filmmaker, showing us an America that, on second sight, is more a slice of “Americana” – not the country that is, but the country we imagine it to be. Meticulously but hilariously, she takes us on a journey that is as heartfelt, as it is imagined, garnished with performances by legends like the late Peter Bogdanovich and the immortal Willie Nelson.